Jan de Vliegher

Poursuites innombrables

Les toiles de Jan de Vliegher sont la rencontre de mouvements abstraits et de perspectives figuratives, de coups de pinceau expressionnistes et d’accents impressionnistes et, surtout, d’une « joie de vivre » et d’une « joie de peindre ». Depuis ses débuts en 1998, De Vliegher a travaillé sur plusieurs séries basées sur des observations minutieuses de la vie quotidienne. Il trouve la beauté dans ce qui est petit, comme les objets trouvés sur la plage, dans le jardin ou dans les vitrines des magasins, mais aussi dans le luxe des palais, des églises et des châteaux. Il peint d’une manière rapide et baroque,  » alla prima « , et souvent à grande échelle. Mais son art tourne principalement autour de l’acte de peindre lui-même. 

Ce que vous voyez est ce que vous voyez

Lorsque l’artiste américain Franck Stella a formulé son credo « What you see is what you see » (Ce que vous voyez est ce que vous voyez) dans les années 1960, il a voulu prendre ses distances par rapport à l’expressionnisme abstrait des années 1940 et 1950, alors très répandu. Il a remis en question l’esthétique d’artistes tels que Jackson Pollock, Willem de Kooning ou Franz Kline (action painting), et Mark Rothko, Barnett Newman et Clyfford Still (color field paintings), et il a transformé leurs principes en abstraction post-peinture, en peinture hard-edge et en art minimal. La nouvelle génération de l’époque pense que chaque spectateur devrait pouvoir expérimenter les peintures pour ce qu’elles sont, sans aucune connaissance préalable, et non comme une marchandise qui transmet un message ou une émotion. Stella s’intéresse particulièrement à ce qui peut littéralement être vu : l’image en tant qu’objet bidimensionnel, un événement en couleur, une pratique minimaliste. Il échange le personnel contre le factuel, et le geste libre et spontané contre une manière distante et formelle d’agir.  » Seul ce qui peut être vu là (dans les tableaux) est là… Ce que vous voyez est ce que vous voyez  » En regardant les tableaux de Jan de Vliegher, on est tenté d’appliquer le théorème de Franck. Car pour De Vliegher aussi, l’art concerne la couleur en tant qu’événement sur une surface, et il veut aussi transformer l’acte de regarder en une expérience. Mais contrairement à Stella, De Vliegher travaille de manière figurative : la composition et la perspective jouent également un rôle essentiel dans ses œuvres, en plus de la couleur et de la lumière. En revanche, le sujet proposé est d’une importance secondaire pour lui, car il n’est rien d’autre qu’une occasion de peindre, un moyen de produire des images. Ainsi, pour De Vliegher, l’art n’est pas une question de représentation de la réalité visible mais, si l’on veut, de peinture pure. Il laisse l’art être l’art. C’est simplement la présence picturale de la visualisation qui semble le fasciner, non pas en tant qu’œuvre d’art décorative superficielle, mais également en tant que représentation conceptuelle, développement profond de la vision, ni en tant que signal social ou sociétal. De Vliegher enregistre des stimuli visuels et les place dans un espace pictural. Il réduit le monde à une image, jusqu’à ce que l’image devienne un monde en soi. Ce qui se passe n’est pas compliqué, mais miraculeux.

La Peinture pour ce qu’Elle Est

De Vliegher imprime rapidement et avec précision. Il essaie d’appliquer la peinture sur la toile en une seule fois. Il peint  » alla prima  » ou  » mouillé sur mouillé « , une technique où la peinture est ajoutée à des couches de peinture encore humides, déjà appliquées. Les couches de peinture sous-jacentes n’ont pas besoin d’être sèches pour que de nouvelles couches soient mélangées ou appliquées par-dessus, et le mélange des couleurs se fait sur la toile elle-même, et non sur une palette. Il consacre toujours suffisamment de temps à la préparation avant de se lancer dans la peinture. Ses couleurs sont formulées avec précision à l’avance, et en quantité suffisante. De Vliegher connaît son médium sur le bout des doigts : il utilise un liant liquide et flexible qui retient les pigments de manière uniforme, et qui est durable et résistant aux couleurs. Il prépare un seau séparé pour chaque nuance qu’il va utiliser. Les premières années, il a utilisé de la peinture à l’huile, mais depuis 2014, il travaille principalement avec de la peinture acrylique. La peinture à l’huile, qu’il prépare de manière plutôt fluide, sèche assez rapidement, mais dans le cas des acrylates ou d’éventuels additifs comme la craie ou le plâtre, avec une finition satinée ou brillante, il est également nécessaire de formuler sur place. Il acquiert ce savoir-faire à l’Institut supérieur d’art visuel Saint Lucas à Gand (aujourd’hui connu sous le nom de LUCA School of Arts) et dans le laboratoire d’une usine de peinture à Bruges. Cette dernière, aujourd’hui appelée Paintfactory, était un lieu d’expérimentation pour le jeune artiste, où il a appris à connaître le métier et découvert des aspects techniques importants il y a 25 ans. Aujourd’hui, il continue à pousser les qualités physiques de la peinture à leurs limites en répartissant les éléments tactiles avec précision sur chaque toile. Pour pouvoir travailler, il doit s’isoler et, en quelque sorte, s’enfermer dans son atelier pour ne pas perdre sa concentration. Ce qu’il fait chaque année, surtout pendant les mois de janvier et février. Pendant deux mois d’affilée, il se met au travail sans interruption. Il redresse sa toile, termine le travail en une journée et peint avec de gros pinceaux en pâte directement du seau sur la toile. D’une vitalité ininterrompue, et peut-être même pressé, il accélère le rythme et fait des choix presque inconscients pour choisir la bonne couleur, donner le ton approprié et choisir le bon éclairage. La rapidité de la peinture est ici primordiale. C’est la main qui suit l’œil, et non l’inverse. Il peint librement et largement à partir de ses épaules, une technique libératrice qui permet un flux plus dynamique qu’en travaillant à partir du poignet. De plus, cette technique permet de déposer l’inspiration et l’énergie du moment sur la toile très rapidement et en un seul mouvement. Il peint environ 100 à 150 œuvres par an de cette manière, et toutes les pièces sont inextricablement liées les unes aux autres par la routine et le thème, au-delà des caprices du jour. Ainsi, il se coupe du monde extérieur pendant quelques heures et exécute son image en utilisant des coups de pinceau rapides. Une touche directe, un large coup de pinceau ou une rapide poussée du pinceau transforment la formation d’une image en un tout. Il sait exactement comment créer des accents clairs ou foncés, ou comment générer une suggestion tactile ou une matière spécifique. Des gouttes de peinture crémeuse, sur un tissu de lin, des coulures de peinture et de la peinture humide s’accumulent à certains endroits, révélant toutes les fissures ou éclaboussures. Ces petites irrégularités exposent les éléments de base de la peinture, et évoluent sensuellement entre la représentation pure et une écriture personnelle qui semble nonchalante et inachevée. Le talent de De Vliegher pour la peinture s’est affiné avec l’expérience, la recherche, le dynamisme et la réflexion. Par conséquent, il connaît les techniques de peinture classiques à tel point qu’il peut les éviter, les manipuler et les nier. Il lui est donc également facile de  » sortir du rang « , de voir jusqu’où il peut aller dans la réorientation des impulsions visuelles en utilisant la peinture. Après tout, il a déjà formé le tableau dans son esprit, puis l’exécute et répand la peinture spontanément et avec vitalité sur la toile. Il relie les contradictions considérées comme incompatibles entre le suggestif et l’abstrait, entre le monochrome et le polychrome. De Vliegher aspire à une relaxation radicale de l’image, et permet au mode d’expression pictural de transcender le contenu. Inhérent à l’art de la peinture, il se résout autour de la définition de l’image. Par le biais de la peinture et du pinceau, il développe une œuvre contemporaine avec un panache personnel. Son enthousiasme et son intuition sont à l’honneur.

Couleur, lumière et composition

Dans la sphère de la liberté et de l’abondance, cependant, toutes les œuvres sont harmonieusement composées à travers des formats souvent monumentaux, dans lesquels l’expérience de l’espace semble se suffire à elle-même. Comme un architecte ou un constructeur, De Vliegher construit chacune de ses œuvres selon un certain ratio et une certaine harmonie, que ce soit dans une grille ou de manière autonome. Le fondement de chaque œuvre est basé sur un sens de l’équilibre, de l’ordre ou de l’emplacement. Il travaille généralement avec une  » composition all-over « , en référence à Henri Matisse, qui pensait que les espaces positifs et négatifs devaient toujours être équilibrés. En d’autres termes, l’espace positif est le sujet peint, l’espace négatif est l’arrière-plan. Dans le cas d’une composition all-over, il y a généralement peu d’espace négatif, donc peu d’arrière-plan. Dans les séries comme celles des assiettes en porcelaine ou des lustres, les espaces négatifs sont les structures qui sont dispersées sur toute la surface. Dans d’autres séries, ces espaces sont principalement des exercices répétitifs, dont il peut expérimenter la grille. C’est le cas, par exemple, des vitrines de céramiques. De Vliegher est passé du travail purement abstrait de sa première période à une figuration plus libre. Par essence, les tableaux abstraits et réalistes traitent des mêmes questions. Son travail continue de porter sur l’affinité du peintre avec l’art de la peinture, son amour pour la couleur et la poésie de la peinture. C’est la composition qui prévaut, et non le thème ou l’histoire. Tout est presque mathématiquement équilibré, de sorte que son sens de l’expérimentation se situe exactement dans cette infrastructure, dans ces principes de composition. La liberté s’acquiert précisément à travers son esthétique préconçue. La tranquillité qu’elle lui offre est l’endroit où il se perd pour changer, pour bouger comme Cy Twombly, Gerhard Richter ou Pieter Paul Rubens. Les tableaux de De Vliegher parlent principalement de couleur et de lumière. Après tout, ses toiles sont construites avec des coups de pinceau libres, des couleurs exubérantes et des études de lumière explosives. Son sens aigu de la couleur, enraciné dans sa quête de la nuance parfaite, confère à chaque œuvre un attrait visuel unique. Il veut connaître suffisamment bien tous les pigments pour obtenir, par exemple, le jaune le plus neutre, sans nuance, sans un soupçon de vert ou de rouge. Et pour trouver ce jaune pur, il a même consulté de grandes entreprises chimiques comme BASF (Badische Anilin & Soda Fabrik) ou Bayer. Il a demandé des échantillons de leurs colorants afin de pouvoir créer le jaune le plus brillant et éclatant, ou un jaune plus sale ou délavé, à partir de jaunes primaires et non mélangés. La couleur a également un impact émotionnel immédiat. Elle vous rend euphorique ou désemparé. Et bien qu’il n’attribue pas vraiment de signification ou de symbolisme à certaines couleurs, il sait jouer des combinaisons de chaud et de froid, de couleurs douces et fluorescentes pour générer de l’attraction ou de la répulsion. Il parvient à donner à la peinture une valeur d’exposition généreuse, qui devient non seulement un facteur d’abstraction de l’image, mais forme également des éléments accrocheurs qui mettent l’image en valeur. 

Sujets, thèmes et séries

Il est maintenant évident que l’ensemble de l’œuvre de De Vliegher a une qualité réaliste et est principalement figurative. Bien que la narration ne domine pas, une image reconnaissable apparaît néanmoins dans l’expérience esthétique. L’expérience virtuelle émerge par le biais de son sujet, qui a été organisé en composition, et qui se transforme de manière expressive en une image picturale.Mais dans ce jeu de métamorphoses, il utilise plutôt la réalité perçue comme un alibi, comme un prétexte ou une excuse. Les choses ordinaires, les objets concrets et les événements inspirants de son propre environnement, à la maison ou en voyage, sont enregistrés par des milliers de photos et stockés dans des dossiers et des sous-dossiers. Cette collection virtuelle est stockée par thème. Les enregistrements photographiques sont édités numériquement, agrandis ou réduits. Il manipule soigneusement la composition, la forme, la couleur et la perspective jusqu’à ce que tout ce qui est anecdotique disparaisse, et que les motifs spécifiques se transforment en situations plus universelles. En peignant toujours les mêmes sujets, et en les transformant en séries, il veut capturer la réalité observable sous la forme d’une réalité picturale qui est sujette à un changement constant. Sa préférence pour les séries est essentiellement un procédé qui permet de se débarrasser de cette réalité : le désir du peintre est voilé par les différentes variations sur un thème. Comme chez Edgard Degas, Paul Cézanne ou Giorgio Morandi, l’illusion réaliste s’arrête et le sujet se transforme en peinture, en le peignant encore et encore, et en essayant de saisir le temps. Ses thèmes vont des paysages, jardins, scènes de plage, terrasses en vue plongeante et reflets dans l’eau, aux éléments architecturaux et vitrines, intérieurs somptueux et lustres, bustes, assiettes et verres. Les titres ou les légendes semblent superflus, mais c’est avec une description distante et simple qu’il organise la série des  » Œuvres sans titre  » ou des  » Peintures récentes « . Cela ne change rien au fait que les thèmes peuvent être des porteurs de sens potentiels, tant pour l’artiste que pour le spectateur. Car aussi impartial ou neutre que De Vliegher veuille être, ses motifs révèlent aussi des valeurs, des interprétations et des attentes. Ils sont tout et rien à la fois.

Els Wuyts